Le Messie de Haendel au Grand Théâtre de Provence

Divine homélie

 

L’interprétation de Georg Friedrich Haendel s’est singulièrement rajeunie et allégée au cours de ces dernières décennies. À la « lourde face emperruquée » qu’évoquait Berlioz avec ennui se substitue aujourd’hui un génie cosmopolite et inventif grâce au travail pionnier d’ensembles tel que le King’s Consort. En ce temps de l’Avent, l’un des plus fameux orchestres et chœurs baroques anglais est attendu comme…

  Le Messie « Quelles prières ! Quels accents ! Quelle force d’instance ! Voilà comment Dieu veut qu’on lui parle. » Pas besoin d’une longue homélie. Dans cette confidence d’évêque ((Mgr Dupanloup, Journal intime, 1853)), tout est dit du plus célèbre des oratorios de Haendel. De la puissance des masses chorales, de l’élégance des mélodies, du mariage heureux des méditations musicales allemandes et italiennes chez un compositeur devenu monument national en Angleterre, et de l’élévation d’esprit et de cœur en diapason dans cette composition conçue comme un exercice spirituel que Haendel s’impose en vingt-quatre jours d’une retraite solitaire. On dit qu’il pleura et eut des visions pendant qu’il couchait les notes de l’Alléluia sur la partition. Le manuscrit griffonné témoigne encore de l’exaltation du moment. C’est que ce « cher Saxon », d’ordinaire fort gaillard, est en pleine dépression. Les affaires vont mal, la santé également. D’une piété sincère, mais conventionnelle et mesurée jusqu’alors, il contracte avec la religion l’un de ces attachements d’automne où entrent les sentiments de l’âge et la déliquescence du monde. Les pages de son Messie, les lamentations mélismatiques des âmes en détresse, les hourras des prophètes qui annoncent dans la clameur des trompettes et des timbales que le pardon est proche, contiennent des accents de vérité intemporels auxquels notre sensibilité s’accorde toujours, 276 ans après sa création au Music Hall de Dublin. Musique sacrée mais non liturgique, cet oratorio n’est pas destiné à l’église mais au concert. Sur la scène, les récitatifs, arias et chœurs s’enchainent avec l’intensité d’un drame lyrique, chantés souvent par les mêmes artistes (à la réputation sulfureuse) que Haendel employait pour ses opéras. Leurs voix agissaient auprès d’un public mélangé, ainsi que la longue chevelure de Madeleine sur les retables de jadis, précisément là où notre carapace émotionnelle est la plus vulnérable ; ce qui ne manqua pas de susciter incompréhensions et cabales chez les dévots et les jaloux mais recèle toutes les conciliations, les dialectiques et les nuances qui font, pour les autres, le meilleur de l’art. De nos jours les seules controverses relèvent de l’interprétation ou du découpage de l’œuvre. Certaines traditions voulant que l’on donne la première partie, concernant l’attente et la venue du Christ, pendant l’Avent, puis les deux autres, souffrances et accomplissement, à Pâques. Les solutions retenues dans les formules de concert adoptent la version « complète » dans laquelle les chefs d’orchestre d’aujourd’hui s’autorisent des modifications à l’exemple de Haendel lui-même adaptant le plateau vocal et l’effectif instrumental aux circonstances de chacune de ses exécutions, chose courante à l’époque, avec pour conséquence l’existence de plusieurs « versions d’origine » ((Sans compter la réorchestration de Mozart en 1789.)). Parmi celles-ci, les choix retenus par Richard King constitueront l’un des ressorts de l’équilibre voix/orchestre indispensable à une interprétation réussie. Une chose est certaine, nous échapperons à la tradition emphatique mise à l’honneur après la mort du compositeur qui a conduit, entre autres séquelles, à conformer son image stylistique aux fastes réglés de la monarchie dans une inflation déraisonnable du nombre de musiciens et de choristes. Au contraire, la précision d’interprétation sur instruments d’époque du King’s Consort, la clarté avec laquelle les pupitres de son chœur tressent leurs lignes vocales et le choix rigoureux de ses solistes, à l’exemple des coloratures séraphiques de Julia Doyle, de la palette expressive de Joshua Ellicott, des soyeuses inflexions d’Hilary Summers ou de David Wilson-Johnson, la puissance de persuasion ; tout concourt à l’une des magistrales résurrections auxquelles cet ensemble exceptionnel doit sa réputation. George Frideric Handel ((Selon la graphie anglaise en cours après sa naturalisation)) (1685-1759) finit par rejoindre Henry Purcell à l’Abbaye de Westminster, dix-sept ans jour pour jour après la création de son Messiah. Surplombant sa dalle mortuaire, s’élève un haut-relief, sculpté par le français Louis Roubiliac en 1762, dans lequel le compositeur montre le ciel de son index gauche tandis que sa main droite tient fermement une partition ouverte sur la scène nodale de l’œuvre : « I know that my Redeemer liveth.((« Je sais que mon rédempteur est vivant, Et qu’il se lèvera le dernier sur la terre », Job 19:25)) » Quelques notes d’espérance que la poussière des siècles n’a pas encore ensevelies.  

Roland Yvanez

 

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Post-scriptum

L’exigence d’authenticité réclamée par le baroque revival des années 1970 avait un modèle exemplaire dans le travail de bénédictin des moines de l’Abbaye de Solesmes qui, dès le 19^e siècle, entreprirent l’étude et la restauration du patrimoine grégorien avec la plus haute technicité scientifique disponible. Cette exigence se propage depuis quelques années à des périodes récentes de l’histoire avec lesquelles nos paradigmes musicaux sont encore engagés. Mozart, Beethoven (((5) À écouter : l’intégrale de ses symphonies par Emmanuel Krivine et La Chambre Philharmonique (5 CD Naïve)))… peuvent se jouer sur les instruments de leur temps après examen de traités contemporains d’organologie, d’ornementation, etc. Même la musique de Verdi, pourtant servie à tant de sauces, est ainsi radiographiée ; notes, nuances et soupirs sont mis en correspondance avec le contexte historique, dans la mesure où celui-ci pourrait en affecter la valeur ou en modifier le sens. Cette approche n’entend pas fixer un horizon canonique originel au détriment d’interprétations plus tardives ou moins informées. Toutes ont quelque chose à nous apprendre de l’histoire du goût musical, de ses errements, de ses intuitions clairvoyantes ou de ses contresens poétiques. Tout comme il semblerait vain de vouloir discriminer, dans la vie d’un compositeur, ce qui dépend des contraintes de son époque, de ce qui relève de ses prédispositions personnelles à y réagir. Trop de paramètres restent indécidables. Il s’agit plus modestement, en questionnant les traditions interprétatives transmises, de permettre au musicien de prendre ses décisions dans un processus de résolution cohérente. À ce titre, Jérémie Rhorer, directeur musical  des musiciens du Cercle de l’Harmonie, en résidence au Grand Théâtre, propose une écoute intelligente et inspirée des plus belles pages de Verdi « en phase avec leur univers d’origine » avec les concours de la soprano Vanina Santoni, du ténor Saimir Pirgu et du baryton Gabriele Viviani.  

RY

   

• Le Messie de Haendel : le 15/12 au Grand Théâtre de Provence (Aix-en-Provence). Rens. : www.lestheatres.net/

• Verdi ! par le Cercle de l’Harmonie : le 18/12 au GTP.